เช็คสเปียร์และโอเปร่า -

หากอำนาจวาสนาของวิลเลียมเชกสเปียร์เหนือโรงละครตะวันตกไม่ได้ขยายไปสู่เวทีโอเปร่าข้อเท็จจริงที่อธิบายได้จากความต้องการของนักประพันธ์เพลงเชคสเปียร์ความไม่แยแสทางวรรณกรรมของนักประพันธ์และความยากลำบากในการกำหนดค่า pentameters ของ iambic ให้เป็นดนตรี - อย่างไรก็ตามหลักการของ Shakespeare ได้กำหนด ตัวเองเป็นหนึ่งในผู้สร้างแรงบันดาลใจที่ยิ่งใหญ่ของโอเปรา สิ่งนี้ชัดเจนจากโอเปร่า 200 เรื่องที่สร้างจากบทละครของเชกสเปียร์ซึ่งประมาณครึ่งโหลเป็นหนึ่งในอนุสรณ์สถานแห่งความสำเร็จทางโอเปร่าที่หายาก นอกจากนี้ยังแสดงให้เห็นเพิ่มเติมโดยการอ้างอิงแบบต่อเนื่องเพิ่มเติมซึ่งเป็นช่วงเวลาของโอเปร่าอื่น ๆ ที่แสดงให้เห็นถึงความคล้ายคลึงกันของครอบครัวเชกสเปียร์ที่ไม่ผิดเพี้ยนโดยไม่มีการประกาศการเชื่อมโยงลำดับวงศ์ตระกูลไปยังแหล่งที่มา บทละครของเช็คสเปียร์จึงก่อให้เกิดขึ้นเคียงข้างกันให้กับลูกหลานที่ "ถูกต้องตามกฎหมาย" และการเผยแพร่โอเปร่าแบบไม่เปิดเผยตัวตนประวัติที่บันทึกไว้และไม่ได้บันทึกไว้ของเชกสเปียร์บนเวทีโอเปร่า

Opera มาจาก Shakespeare

ความจำเป็นในการรองรับความไม่เป็นทางการอย่างเป็นทางการและตัวละครหลายแง่มุมของโรงละครของเชกสเปียร์ต่อการสืบทอดบทซ้ำและอาเรียทิวทัศน์ที่ซับซ้อนและการประชุมอื่น ๆ ของโอเปร่าทำให้การปรับตัวของเชกสเปียร์เป็นธุรกิจที่อันตราย นักแสดงและผู้จัดการนักแสดง David Garrick ในภาพยนตร์เรื่องThe Tempest (1756) ถูกกล่าวหาว่าเป็นบทละครดั้งเดิมของเชกสเปียร์ในขณะที่ลอร์ดไบรอน (ในจดหมายถึงกวีในปี 1818 ซามูเอลโรเจอร์ส) ได้ตำหนิผู้เขียนบทของ Gioacchino Rossini เรื่อง "การตรึง" Othello (1816)

The Fairy Queenของ Henry Purcell (1692) มักถูกขนานนามว่าเป็นละครโอเปร่าเรื่องแรกของเชกสเปียร์ อย่างไรก็ตามดนตรีของมันถูก จำกัด ให้สอดแทรกอยู่ในA Midsummer Night's Dream ที่ลดลง เฉพาะในDido และ Aeneas (1689) เท่านั้นที่ Purcell มีโอกาสเขียนเพลงให้กับนางเอกที่น่าเศร้าที่มีสถานะเป็นตำนาน โอเปร่าจริงเรื่องเดียวของเพอร์เซลล์ซึ่งเขียนขึ้นสำหรับนักแสดงหญิงสาวแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของเชกสเปียร์ที่ชัดเจนซึ่งสามารถกำหนดได้อย่างปลอดภัยต่อนักประพันธ์ของเขากวีและนักเขียนบทละครนาฮูมเทตซึ่งคุ้นเคยกับหลักธรรมบัญญัติ Tate "ปรับปรุง" Shakespeare อย่างต่อเนื่องเพื่อให้เหมาะกับรสนิยมของผู้ชมใหม่ ๆ ตัวอย่างที่โด่งดังที่สุดคือตอนจบที่มีความสุขที่เขาผนวกเข้ากับKing Lear (Tate's King Lear1681 ซึ่งคอร์เดเลียไม่เพียง แต่มีชีวิตอยู่ แต่แต่งงานกับเอ็ดการ์ - ในความเป็นจริงเป็นเวอร์ชันเดียวที่จะนำเสนอบนเวทีภาษาอังกฤษในอีก 150 ปีข้างหน้า) สำหรับDido และ Aeneas Tate ติดตาม Virgil อย่างซื่อสัตย์ยกเว้นการเพิ่มฉากแม่มดที่ได้รับแรงบันดาลใจจากMacbethสองฉากที่ทั้งคู่ทำให้การกระทำซับซ้อนขึ้นและทำให้เกิดข้อสงสัยอย่างมากเกี่ยวกับบทบาทของโชคชะตาในการตัดสินใจของ Aeneas เมอร์คิวรี่ที่นี่กลายเป็นเพียงของล่อที่แม่มดส่งมาเพื่อหลอกให้ไอเนียสมีจุดประสงค์โดยรวมเพื่อทำร้ายโด้ นอกจากนี้ยังได้สร้างมิติของเชกสเปียร์ที่ทำให้โอเปร่าสั้น ๆ นี้เหมาะสำหรับใช้เป็น "การเล่นภายในละคร" ในการแสดงMeasure for Measureบนเวทีลอนดอนในปี 1700 อันที่จริงการแทรกชิ้นดนตรีดังกล่าวในหรือหลังบทละครของเช็คสเปียร์เป็นธรรมเนียมปฏิบัติในศตวรรษที่ 18 เช่นAcis และ Galateaของ George Frideric Handel แสดงที่ Drury Lane ในปี 1724 เพื่อเป็นผลงานชิ้นเอกของThe Tempest .

Opera seria และ opera buffa

มันเป็นเรื่องที่ยั่วเย้าเกี่ยวกับการแสดงละครของเชกสเปียร์ที่ต้องสังเกตว่าโอเปร่าถือกำเนิดในฟลอเรนซ์ในปี 1600 ซึ่งเป็นช่วงเวลาที่แฮมเล็ตเปล่งเสียงแสดงทัศนะของเชกสเปียร์ครั้งแรก เชกสเปียร์และนักทฤษฎีโอเปร่าแสดงความกังวลเช่นเดียวกันเกี่ยวกับภาษาและการแสดง ( ดูแถบด้านข้าง: เช็คสเปียร์ในโรงละคร) โอเปร่ารุ่งเรืองและเวนิสเริ่มเปิดโรงละครโอเปร่าสาธารณะในปี 1637; ในปี 1642 Puritan London ปิดโรงภาพยนตร์ โอเปร่าของอิตาลีมาถึงลอนดอนเมื่อต้นศตวรรษที่ 18 เมื่อมันกลายเป็นแฟชั่นในทันทีและแบ่งให้สาธารณชนได้รับรู้ เช็คสเปียร์ได้รับการเรียกร้องให้เข้าร่วมการแข่งขันครั้งนี้: บทละคร "กลหยาบคาย" จากA Midsummer Night's Dreamได้กลายเป็นภาพล้อเลียนของอุปรากรอิตาลีใน Richard Leveridge'sComick Masque of Pyramus และ Thisbe (1716) ประมาณ 30 ปีต่อมา (1745) JF Lampe ได้ฟื้นหนังสือเล่มนี้ขึ้นมาในรูปแบบ "โอเปร่าล้อเลียน" พร้อมด้วยความโกรธเกรี้ยวและฉากจบที่มีความสุข

ยังคงเป็นปฏิปักษ์ต่อปฏิกิริยาต่ออุปรากรอิตาลีที่เขียนบนหนังสือของเชกสเปียร์Ambleto ( Hamlet ) ของ Francesco Gasparini ซึ่งเล่นไปทั่วยุโรปถูกนำตัวไปลอนดอนในปี 1712 โดย Castrato Nicolini ผู้โด่งดัง แต่หายตัวไปจากที่เกิดเหตุอย่างรวดเร็วRosalinda (1744) ของ Francesco Maria Veracini - อย่างที่คุณชอบมันจัดฉากเป็นอภิบาลชาวอิตาลีที่สุภาพและเขียนขึ้นสำหรับนักแสดงหญิงและคาสตราโตโซปราโนส - ประสบชะตากรรมเดียวกันGli equivociซึ่งเป็นหนังโอเปร่าของ Stephen Storace สาวกชาวอังกฤษคนเดียวของ Wolfgang Amadeus Mozart นำเสนอกรณีที่แตกต่างออกไป เขียนบนบทกวีโดย Lorenzo Da Ponte (มากด้วยจิตวิญญาณของเขา - และของโมสาร์ท - การแต่งงานของฟิกาโร) และได้รับการต้อนรับอย่างเป็นมงคลในปี 1786 ที่ Vienna Burgtheater (ปัจจุบันคือ Hofburgtheater) และทั่วประเทศเยอรมนีGli equivociซึ่งเป็นฉากที่รู้จักกันเพียงแห่งเดียวของThe Comedy of Errorsถือเป็น "Mozartian" มากเกินไปและไม่เคยเดินทางไปลอนดอน

คนอื่น ๆ เช่นเจซีสมิ ธ และเดวิดแกร์ริกคนดังกล่าวต่างก็ใช้และท้าทายแฟชั่นโอเปร่าของอิตาลี ในขณะที่โอเปร่าของพวกเขาเรื่องThe TempestและThe Fairies (1755) ซึ่งบทนำกล่าวถึงการประพันธ์ของ "Signor Shakespearelli" อย่างติดตลก แต่หนังสือGarrick's Tempestได้รับการฟื้นฟูในปี 1777 ด้วยดนตรีโดย Thomas Linley ที่โดดเด่น –78) ตลอดศตวรรษที่ 18 The Tempestเช่นA Midsummer Night's Dreamไม่เคยมีการแสดงจริง ๆ ยกเว้นเพื่อความบันเทิงทางดนตรี

หลังจากเปลี่ยนศตวรรษนักแต่งเพลงของโอเปร่าบัฟฟา (เช่น Antonio Salieri) และนักร้องชาวเยอรมัน (เช่น Carl Ditters von Dittersdorf) ได้หันมามองไปที่หลอดเลือดดำที่ตลกขบขันของเชกสเปียร์ ในปีพ. ศ. 2392 อ็อตโตนิโคไลได้ประกาศว่ามีเพียงโมซาร์ทเท่านั้นที่สามารถให้ความยุติธรรมกับเชกสเปียร์ได้เขียนโอเปร่าที่ประสบความสำเร็จเรื่องDie lustigen Weiber von Windsor ( The Merry Wives of Windsor ) Der Widerspenstigen Zähmungของ Hermann Goetz (1874; The Taming of the Shrew ) ทำให้ Kate ตกหลุมรัก Petruchio ตั้งแต่แรกเห็นจนกลายเป็นแอนตี้ฮีโร่ที่มั่นใจในตัวเองของเชกสเปียร์กลายเป็นฮิสทีเรียในศตวรรษที่ 19

ผู้หญิงจากโรงละครไปจนถึงโอเปร่า

ช่วงเวลาพลบค่ำของโอเปร่าซีเรียและการถือกำเนิดของโอเปร่าโรแมนติกเป็นตัวอย่างจากการปรากฏตัวของพรีมาดอนน่าและการพิชิตหญิงในภูมิภาคโซปราโนที่เคยครองคาสตราโต บทบาทหญิงของเชกสเปียร์เพราะพวกเขาแสดงโดยเด็กผู้ชายมักจะพัฒนาน้อยกว่าบทบาทชายของเขา ด้วยข้อยกเว้นที่โดดเด่นของโรซาลินด์ (ในเรื่องที่คุณชอบ ) และคลีโอพัตรา (ในแอนโทนีและคลีโอพัตรา ) บทบาทหญิงของเช็คสเปียร์มีความสำคัญน้อยกว่ามาก แต่ความเป็นเอกราชของนักร้องโซปราโนในศตวรรษที่ 19 ยังครอบคลุมไปถึงบทบาทหญิงอื่น ๆ อีกมากมายของเชกสเปียร์ทำให้พวกเขากลายเป็นส่วนสำคัญ

โอเทลโลของรอสซินี(1816) โอเปร่าซีเรียเรื่องแรกที่มีจุดจบที่น่าเศร้ามีสามช่วงอายุ - Iago (คนร้าย), โรดริโก (คนรักที่ถูกปฏิเสธ) และโอเทลโล (ผู้ประสานงาน) - กับเดสเดโมนาที่ถูกปิดล้อมซึ่งมีมากกว่าพวกเขาทั้งหมด - และเธอ พ่อบาสโซบราบันทิโอเพื่อบู๊ต ตาม "การแปล" ภาษาฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 ของOthelloโดย Jean-François Ducis รอสซินีแทนที่ผ้าเช็ดหน้าซึ่งเป็นชิ้นส่วนชุดชั้นในสตรีที่ดูใกล้ชิดอย่างน่าตกใจพร้อมจดหมายตลกของอิตาลีที่ไม่ได้รับการยอมรับมากขึ้น กวีชาวฝรั่งเศส Victor Hugo และ Alfred de Vigny สร้างความสนุกสนานไม่รู้จบกับการ "ปรับปรุง" จิตรกรEugène Delacroix ประทับใจมากกับการอ่านครั้งนี้ที่ภาพวาดของเขาแสดง Desdemona ไม่ใช่ Othello เป็นตัวชูโรง การกระทำส่วนใหญ่ในการแสดงครั้งแรกถูกบังคับให้อยู่ในรูปแบบของโอเปร่าซีเรียธรรมดา ประกอบด้วย Bravura arias สำหรับนักร้องเดี่ยวทุกคนและละครเวทีที่ยิ่งใหญ่ซึ่งเกี่ยวข้องกับการเล่าเรื่องของเชกสเปียร์เพียงเล็กน้อยเท่านั้น ตรงกันข้ามกับเวอร์ชั่นละครเวทีซึ่งเดินทางจากเวนิสไปยังไซปรัสและเกี่ยวข้องกับตัวละครที่มีชีวิตต่ำเช่นโสเภณีและนางนวลโอเปร่าทั้งหมดตั้งอยู่ในพระราชวังอันงดงามในเวนิสการจัดแสดงการแลกเปลี่ยนที่สุภาพส่วนใหญ่ระหว่างสมาชิกของชนชั้นสูงของบุคคลที่อยู่ภายใต้ความสนใจที่ยอมรับได้ ในการแสดงครั้งสุดท้ายของโอเปร่าน้ำเชื้อนี้ Rossini ได้แนะนำใบเสนอราคาจาก Dante'sInfernoขับร้องโดยเรือแจวที่แล่นผ่านซึ่งกระตุ้นให้เดสเดโมนาร้องเพลงวิลโลว์อย่างละเอียดซึ่งเธอมาพร้อมกับพิณของเธอตามด้วยคำอธิษฐานที่เร้าใจซึ่งนำไปสู่ฉากฆาตกรรมและบทสรุปที่สั้นลงโอเทลโลเป็นโอเปร่าของรอสซินีเพียงเรื่องเดียวที่จบลงในลักษณะนี้และอิทธิพลของการแสดงครั้งสุดท้ายในโอเปร่าในศตวรรษที่ 19 ได้พิสูจน์ให้เห็นถึงความยั่งยืนและกว้างไกล

หลงใหล“Shakespearien” Hector Berlioz ใส่นักร้องเสียงโซปราโนในแถวหน้าในการทำงานที่ผ่านมาของเขาBéatriceเอตBénédict (1862) ตามแผน“ความสุข” สงครามของMuch Ado About Nothing เช็คสเปียร์เป็นแรงบันดาลใจที่ไม่มีวันสิ้นสุดสำหรับ Berlioz โดยเฉพาะอย่างยิ่งในซิมโฟนีประสานเสียงRoméo et Julietteของเขา(แต่งในปี 1839) โรมิโอและจูเลียตได้รับการพิสูจน์แล้วว่าเป็นที่ชื่นชอบตลอดกาลสำหรับนักแต่งเพลงโอเปร่าซึ่งมีมากกว่า 20 เวอร์ชั่น ในการดัดแปลงโดยนักแต่งเพลงเช่น Nicola Antonio Zingarelli และ Nicola Vaccai ส่วนของ Romeo นั้นร้องโดย mezzo-soprano ถึงการไม่ยอมรับของ Berlioz ซึ่งชอบด้วยเหตุผลนี้และเหตุผลอื่น ๆRoméo et Julietteของ Daniel Steibelt (1793) ฉัน Capuletiซึ่งเป็นพาหนะของน้องสาว Grisi ที่มีชื่อเสียง (Giuditta และ Giulia) วงดนตรีหญิงที่ได้รับสิทธิพิเศษและเอาชนะสาธารณชนในคู่สุดท้ายของคู่รักโดยการปลุก Giulietta ในเวลาที่เหมาะสมซึ่งเป็นตอนจบที่ได้รับความนิยมโดย Garrick Juliette เป็นสีที่ซับซ้อนในโอเปร่าปี 1867 ของ Charles Gounod (เรียกโดย Rossini "คู่ในสามส่วน: หนึ่งก่อนหนึ่งระหว่างและหนึ่งหลังจาก") ซึ่งได้รับการพัฒนามากเกินไปเช่น Ophelia of Ambroise Thomas's Hamlet (1868) โดยมีค่าใช้จ่าย คู่ชาย ตัวอย่างอื่น ๆ ของแนวโน้มดังกล่าว ได้แก่Amleto (1822) ของ Saverio Mercadante ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของ Hamlet ที่ร้องโดยผู้หญิงคนหนึ่งและโอเปร่า verismo เปลี่ยนชื่อเป็นGiulietta e Romeo (1922) โดย Riccardo Zandonai

หนังสือทั้งสองเล่มของ Gounod และ Thomas เขียนโดยทีมงานที่ประสบความสำเร็จของ Jules Barbier และ Michel Carréซึ่งร่วมกันและแยกกันหรือร่วมกับคนอื่น ๆ เป็นผู้ประพันธ์บทประพันธ์ของโอเปร่าฝรั่งเศสที่ยืนยงที่สุด พล็อตเรื่องRoméo et Julietteของ Gounod ค่อนข้างซื่อสัตย์กับต้นฉบับโดยใช้ตัวละครรองจำนวนมากและขยายตัวอื่น ๆ (เช่นหน้า Stefano ซึ่งไม่มีชื่อในโศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์มีเรื่องราวที่น่าจดจำ) การออกเดินทางครั้งสำคัญจากพล็อตเดิมคือการปลุกจูเลียตอีกครั้งในช่วงเวลาที่ได้พบกับโรมิโอที่น่าสมเพชก่อนที่ทั้งคู่จะตายโดยขอให้พระเจ้าให้อภัยสำหรับการฆ่าตัวตายโดยไม่เป็นคริสเตียน

โอเปร่าซึ่งเริ่มต้นด้วยฉากบอลที่ Capulets 'ทำให้เกิดความสับสนในหลาย ๆ ตอนรวมถึงการปรากฏตัวครั้งแรกของ Juliet การเปิดเผย (โดย Tybalt แทนที่จะเป็นพยาบาลของเธอ) เกี่ยวกับตัวตนของ Romeo ต่อ Juliet และการตายปลอมของ Juliet ซึ่งเกิดขึ้นเช่นเดียวกับ พ่อของเธอจับแขนพาเธอไปที่โบสถ์เพื่อแต่งงานกับปารีส ในระยะสั้นมันมีส่วนผสมทั้งหมดสำหรับความสำเร็จและเป็นที่นิยมในทันที มันยังคงอยู่ในละครพร้อมกับFaustการดัดแปลงอื่น ๆ ของ Gounod จากวรรณกรรมชิ้นเอก

ในช่วงต้นทศวรรษ 1990 Thomas's Hamletหลังจากปล่อยปละละเลยมานานก็เริ่มแสดงอีกครั้งโดยนักร้องชื่อดังบนเวทีอันทรงเกียรติและได้รับการบันทึก โอเปร่าแสดงให้เห็นว่า Hamlet ส่วนใหญ่ต่อต้านเกอร์ทรูดแม่ของเขาและโอฟีเลียที่รักของเขา แต่ยังให้ข้อมูลเชิงลึกที่น่าสนใจเกี่ยวกับคำถามทางการเมืองที่ทำให้ฝรั่งเศสมีปัญหาในขณะที่เขียนขึ้นเมื่อสองปีก่อนการสิ้นสุดของจักรวรรดิที่สอง: เกอร์ทรูดรู้เรื่องทั้งหมด การฆาตกรรมอดีตสามีของเธอโดย Claudius (สามีคนปัจจุบันของเธอ) และ Hamlet ปฏิเสธ Ophelia ก็ต่อเมื่อเขารู้ว่า Polonius เป็นผู้สมรู้ร่วมคิดในการกระทำ ในฉาก "กับดักหนู" Hamlet ที่ดูเหมือนบ้าคลั่งดึงมงกุฎออกจากศีรษะของ Claudius กระตุ้นให้เกิดฉากจบของมหากาพย์ขณะที่ศาลให้ความเห็นเกี่ยวกับการกระทำที่เป็นการหมิ่นพระบรมเดชานุภาพ ในฉากสุดท้ายที่สุสานผีพ่อของแฮมเล็ตปรากฏขึ้นเป็นครั้งที่สามปรากฏให้เห็นตลอดเวลานี้เรียกร้องการดำเนินการจาก Hamlet ผู้ซึ่งสังหารกษัตริย์ Claudius ในทันทีดังนั้นจึงคืนความชอบธรรมให้กับบัลลังก์และนำความมั่นคงมาสู่ประเทศที่ทรมานของเขา โอเปร่าจบลงด้วยเสียงของผู้คนที่ตะโกนว่า“ Vive Hamlet! Vive notre roi!”

ในDas Liebesverbot (1836) ละครเรื่อง Shakespeare เพียงเรื่องเดียวของ Richard Wagner และฉากMeasure for Measureเพียงแห่งเดียวที่ยังหลงเหลืออยู่บทบาทของ Duke นั้นตกอยู่กับ Isabella ซึ่งแอบรัก Lucio นักคิดอิสระ การแสดงดั้งเดิมประสบความล้มเหลวโดยสิ้นเชิงและชิ้นส่วนทั้งหมด แต่หายไปจากละคร อย่างไรก็ตามการแสดงบางอย่างในช่วงกลางถึงปลายศตวรรษที่ 20 เช่นเดียวกับการบันทึกช่วยให้งานนี้รอดพ้นจากการลืมเลือนอย่างเต็มที่และทำให้เกิดความกระจ่างในช่วงเวลาที่ก่อตัวของแว็กเนอร์เมื่อเขายังพยายามเขียนเพลงกระแส

สำหรับบทบาทที่โดดเด่นของนักร้องโซปราโนในMacbethของ Giuseppe Verdi (1847) นั้นเป็นผลมาจากตัวของเชกสเปียร์: แวร์ดีจำได้เพียงว่าเสียงโซโลกีของLady Macbeth อ่านเหมือนกับโซโลโอเปร่า คำสั่งของเขาที่บอกว่าเธอ“ ไม่ควรร้องเพลงเลย” สะท้อนอยู่ในMacbethของ Ernest Bloch (1910) ที่วงออเคสตรามีบทบาทนำโดยให้ความแตกต่างความลึกซึ้งและการประชดประชันที่น่าเศร้าที่เสียงเพียงอย่างเดียวไม่สามารถสื่อได้ เช่นเดียวกับหมู่บ้าน Thomas's Hamlet , Macbethของ Verdi สะท้อนให้เห็นถึงสถานการณ์ทางการเมืองในบ้านเกิดของนักแต่งเพลงในหลาย ๆ ทาง: อำนาจเผด็จการของผู้แย่งชิงถูกต่อต้านโดยผู้ลี้ภัยชาวสก็อตที่ส่งเสียงโห่ร้องเพื่อเสรีภาพ การขับร้องของ Profughi Scozzesi เป็นเสียงสะท้อนของ "Va, pensiero" นักร้องชื่อดังจากNabucco ที่กลายเป็นเพลงในการต่อสู้เพื่อเอกภาพของอิตาลีกระตุ้นให้ชื่อของแวร์ดีกลายเป็นคำย่อของคำขวัญที่ว่า“ Vittorio Emmanuele, Re d'Italia”

Otelloของ Rossini ถูกบันทึกไว้โดยความทรงจำของเช็คสเปียร์ตามที่ Stendhal วางไว้ การดัดแปลงในศตวรรษที่ยี่สิบเปลี่ยนไปในทิศทางตรงกันข้าม: ในAmleto (1961) ของ Mario Zafred หรือDer Sturm (1956) ของ Frank Martin ดนตรีในพาร์แลนโดได้เปลี่ยนคำพูดของเชกสเปียร์ การอ่านตัวอักษรโดย Reynaldo ฮาห์น (1935) และมาริโอ Castelnuovo-เตเดสโก (1961) มีผลในสองรุ่นที่มีความยาวเป็นสัดส่วนของเวนิสวาณิช